21-09-2017 09:11

Zabaltegi-Tabakalera + PLUS

Zabaltegi-Tabakalera es la sección competitiva más abierta del Festival de San Sebastián, aquí no hay normas ni limitaciones de estilo o de tiempo: cortos, medios, largos, ficciones, documentales, animación, series, instalaciones, autoras y autores, descubrimientos de futuro y clásicos contemporáneos. De lo que se trata es de programar los títulos que demuestran que el cine que busca nuevas formas y temas está muy presente en las pantallas de todo el mundo. Una auténtica zona abierta y de riesgo para espectadores y espectadoras que esperan “algo más” de su experiencia en el cine.

Si el año pasado volvimos a programar 10 títulos para que el Festival y la sección se extendieran al mes de octubre, este año damos un paso más: 12 sesiones durante todo el mes para ampliar, revisar y descubrir otros trabajos de algunas de las directoras y directores presentes en la sección. Repetiremos 3 títulos de la competición en sesiones dobles; el resto serán ampliaciones de los universos propuestos: películas hermanas, correspondencias, cortos previos, primeros filmes y obras que ampliarán los horizontes de la sección: Zabaltegi-Tabakalera más Zabaltegi-Tabakalera que nunca: + PLUS.

Ciclo realizado con la colaboración del Festival de San Sebastián.

 

BLOQUE 1: Mirada documental. Grandes clásicos.
Depardon, Varda, Wiseman: tres miradas de tres cineastas cuyos nombres son todo un clásico de la historia del cine. La obra de Depardon y la obra de Varda se conectan de manera muy sencilla: toda la obra de Depardon tiene que ver con su trabajo como fotógrafo. Y los primeros trabajos de Agnès Varda están totalmente influenciados por la mirada documental de sus inicios como fotógrafa. Tendremos oportunidad de conocer sus dos primeros trabajos, que nos ayudarán a entender la importancia de sus más de 60 años de trayectoria profesional. En el caso de Wiseman, su trabajo es clave para entender la historia del cine documental norteamericano. Recuperamos en este ciclo su aclamado primer largometraje, que nos permitirá establecer correspondencias históricas, temáticas y de estilo entre estos tres grandes maestros de la observación.

6 de octubre, viernes, 20:00
Journal de France, Raymond Depardon, Francia, 2012, 100’
Esto es una película de memorias y de carretera. El internacionalmente aclamado fotógrafo y cineasta Raymond Depardon pasó seis años viajando en furgoneta por Francia y captando su país de origen con una cámara de gran formato. La película recoge ese diario de viaje  junto a su colaboradora y compañera Claudine Nougaret; y a la vez, repasa a través del tiempo su trayectoria vital y creativa: desde sus primeros pasos tras la cámara fotográfica, a su presencia como reportero en momentos y hechos que cambiaron la historia del mundo: las revoluciones de Venezuela y Praga, la campaña presidencial de Valéry Giscard, Chad, Venecia, Cannes, Cisjordania, Afganistán, Italia, República Centroafricana… Por lo tanto, película doble: a un lado, el retrato único de un país, sus paisajes y sus gentes. Y al mismo tiempo, retrato fascinante, íntimo y vital de uno de los grandes artistas visuales de nuestro tiempo, uno de esos que entienden la imagen -fotográfica y cinematográfica- como una forma de pensamiento y de vida. 

7 de octubre, sábado, Sesión doble (2x1)
18:00
La pointe courte, Agnès Varda, Francia, 1954, 86’
Primer largometraje de Agnès Varda, de cuando aún la nouvelle vague era algo que no se había imaginado, de cuando las directoras y directores que iban a incorporar la modernidad en sus relatos e imágenes estaban aún haciéndose las preguntas que iban a cambiar el cine para siempre. Varda era entonces una joven fotógrafa amateur que decidió dar el salto al cine y se lanzó a su primera experiencia creando su propia cooperativa. La película bebe por un lado del neorrealismo y retrata de manera documental la vida cotidiana en un barrio de pescadores de un pueblo del sudeste de Francia: su día a día y sus problemas colectivos de trabajo y supervivencia. Al mismo tiempo, cuenta la historia de un joven matrimonio en crisis, siendo ella parisina y él un joven del pueblo. Esta combinación tan libre entre una historia de ficción intelectual y la parte más observacional fue toda una novedad en su momento y supuso una auténtica revelación del cine que estaba a punto de llegar. A destacar en lo créditos la presencia de otro joven cineasta, detalle que demuestra que estamos hablando de un momento primigenio y vital en la historia del cine... Alain Resnais en el montaje de la película.

21:00
Cléo de 5 à 7, Agnès Varda, Francia, 1962, 90’
¿Es Agnès Varda una de las cineastas más jóvenes, curiosas y libres del mundo? A sus ochenta años, podríamos decir que sí, pues su espíritu y manera de entender el cine y la vida siguen siendo pura “nueva ola”, así al menos lo ha demostrado en su última película Visages Villages, presentada en el Festival de Cine para celebrar su Premio Donostia. ¿Pero cómo empezó todo?

Esta sesión doble pretende ser un homenaje a esta cineasta clave de la historia del cine, recuperando sus primeros trabajos. Hagamos un repaso al nacimiento de la Nouvelle Vague: 1958, Claude Chabrol, Le beau Serge. 1959, François Truffaut, Les quatre cents coups. 1959, Alain Resnais, Hiroshima mon amour. 1960, Jean-Luc Godard, À bout de souffle. 1961, François Truffaut, Jules et Jim. 1962, Agnès Varda, Cléo de 5 à 7: Cleo es una joven cantante pop parisina que deambula por la ciudad a la espera de un resultado médico. Noventa minutos en tiempo real que nos revelan su vida, aspiraciones y miedos; y retrato de la juventud enfrentándose al futuro y al destino.

8 de octubre, domingo, 19:00
Titicut Follies, Frederick Wiseman, EUA, 1967, 84’
El joven Wiseman era un estudiante de derecho cuando comenzó a visitar el Hospital Bridgewater de Massachusetts, una institución para presos con problemas mentales. Su incursión en el cine había sucedido poco antes, cuando en 1964 produjo un largometraje de Shirley Clarke. Pero este retrato directo, crudo e inolvidable sobre un manicomio, sus terapias, pacientes, cuerpos y día a día, fue su primer trabajo como director y asentó las bases de su inconfundible estilo de cine directo. Wiseman se propuso observar y registrar todo aquello que sucedía frente a su cámara, sin necesidad de añadir después narraciones. Confiando primero en el poder de las imágenes y sonidos y después en la capacidad del montaje para dar sentido -político, crítico, cinematográfico- a lo rodado. El resultado es una película que muestra con crudeza una realidad hasta entonces inimaginable para el público: situaciones de aislamiento, intimidación, fuerza, soledad, compañía y desconfianza en un sistema que no estaba cumpliendo su función. La película fue prohibida y no fue hasta después del cierre de la institución que el público pudo recuperar este testimonio fundamental de la historia del cine documental.

 

BLOQUE 2: Promesas.
Directores con uno o dos largometrajes en su trayectoria, pero ya presentes en el circuito internacional de festivales. En este bloque repasaremos sus primeros trabajos.

13 de octubre, viernes, 20:00
Poslednata lineika na Sofia (La última ambulancia de Sofía), Ilian Metev, Bulgaria, 2012, 75’
El primer largometraje del director búlgaro Ilian Metev (Sofía, 1981) se presentó en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes del año 2012, donde fue galardonado con el Premio Especial France Visionary Award. A partir de ese estreno, tuvo un largo y exitoso recorrido por festivales de todo el mundo con premios tan importantes como el de mejor documental en el Festival de Karlovy Vary 2012, entre otros. La película recoge el agotador y a veces frustrante día a día de un equipo de tres personas -Yordanov, Mila y Plamen- que trabajan en una ambulancia que recorre las calles de la capital búlgara. El documental nos mostrará uno de sus turnos de 48 horas: sus conversaciones, crisis, reivindicaciones laborales, urgencias, sueños, pausas y esfuerzos por seguir adelante y transformar los dramas de su trabajo en algo más esperanzador y luminoso que les ayude a seguir en el siguiente turno.

14 de octubre, sábado, Sesión doble (2x1)
18:00
Braguino, Clément Cogitore, Francia, 2017, 49’
En mitad de ninguna parte, lejos, muy lejos de la civilización, allí donde parece que ya no existe nada, hay vida. Esta película documental fue una de las revelaciones de la competición internacional del festival FID Marseille, llevándose la mención especial del jurado. El descubrimiento y retrato de dos familias que viven en un lugar remoto de la Taiga siberiana es una de esas experiencias únicas para los espectadores. Como si el cine se reinventara a sí mismo y la película resultante nos ofreciera por vez primera imágenes, gestos y miradas ya olvidadas o desaparecidas para siempre. Lo primitivo, ancestral, original y verdadero, debe ser algo muy parecido a lo filmado por Cogitore a más de 700 kilómetros del pueblo más cercano. En ese lugar no hay carreteras y la única manera de alcanzar el poblado es navegando primero por el río Lenissei y tomando después un helicóptero. La familia Braguine y la familia Kiline son autosuficientes y viven según sus propias normas y principios. Pero también en este lugar existe el conflicto: las dos familias se niegan a hablarse. El miedo, la libertad, la infancia, las reglas, la imitación de las reglas, la noche, los animales salvajes, la alegría que proporciona la inmensidad del bosque... El resultado, una de las grandes películas del año, la historia cruel y ancestral de un conflicto del que quizá, hace miles de años, surgió todo lo que conocemos.

21:00
Ni le ciel, ni la terre, Clément Cogitore, Francia, 2015, 100’
El director y artista francés Clément Cogitore (Colmar, 1983) presentó su primer largometraje en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes del año 2015. El trabajo fue galardonado con el Premio Henri Langlois y el Premio de la Crítica a la mejor primera película y situó a este cineasta entre los nuevos nombres a seguir. Afganistán, año 2014. Las tropas están a punto de retirarse, pero el capitán Antarès Bonassieu y su escuadrón han sido asignados a una misión de vigilancia en un remoto valle de Wakhan, en la frontera de Pakistán. A pesar de la determinación de Antarès y de sus hombres, poco a poco irán perdiendo el control de este valle aislado.Una noche oscura, los soldados comienzan a desaparecer de forma misteriosa.

15 de octubre, domingo, 19:00
La Reina, Manuel Abramovich, Argentina, 2014, 19’
Solar, Manuel Abramovich, Argentina, 2016, 76’

Sesión doble para presentar el trabajo del director argentino Manuel Abramovich (Buenos Aires, 1987).
La Reina es el retrato de una niña que concursa para ser reina de belleza. Fue uno de esos trabajos que recorrieron de forma exitosa los festivales de todo el mundo, consiguiendo más de 30 premios internacionales (mejor documental en DocumentaMadrid, entre otros). 

Solar es un viaje a las estrellas. En 1991, Flavio Cabobianco publicó su libro “Vengo del Sol", donde con sólo diez años filosofaba sobre Dios y los distintos Universos. El libro fue un best seller en Argentina y fue traducido a varios idiomas. Flavio se convirtió rápidamente en un fenómeno New Age. Veinte años después, decide reeditar su libro y acepta la propuesta de filmar un documental sobre la historia de su familia. Pero el proyecto entra en crisis y se convierte en una disputa de poder entre el director y el protagonista.

Nota del director: “Solar es, de alguna manera, una película fracasada. La historia del rodaje de una película que nunca pude hacer. No como la había planeado. Es la historia de un niño que decía ser especial hace veinte años, aunque probablemente sea también la historia de mi fracaso como director durante el rodaje de mi primera película. Lo cierto es que gracias a Flavio y su visión del mundo, entendí que hacer documentales es justamente que las cosas se te escapen todo el tiempo de las manos y perder el control. Entendí entonces que quizá Solar sea una suerte de prólogo para las otras películas que haga en el futuro”.

 

BLOQUE 3. Archivo, ensayo político y lucha colonial.
Este bloque orbita alrededor del trabajo de investigación de la artista y cineasta Filipa César sobre la preservación y resignificación del archivo cinematográfico de Guinea-Bissau. Recuperaremos algunos nombres fundamentales de esa cinematografía tan desconocida y terminaremos con una referencia absoluta del siglo XX en lo que a cine-ensayo y reflexión sobre la memoria se refiere: Sans Soleil de Chris Marker. 

20 de octubre, viernes, 20:00
Mortu Nega, Flora Gomes, Guinea-Bissau, 1988, 85’
Estamos ante un título mítico, la primera película de ficción de la historia de Guinea-Bissau. Flora Gomes se había formado en el Instituto Cubano de Cine en los años setenta bajo la protección del gran cineasta Santiago Álvarez. Ya de vuelta en su país, su primer trabajo fue un documental sobre la figura del liberador Amílcar Cabral, siendo esta película parte esencial del patrimonio histórico de su país. Tras varias incursiones en el cine militante documental, Mortu Nega fue su primer trabajo de ficción.
En 1973, durante la guerra de Independencia de Guinea-Bissau, Diminga, una joven de 30 años, se une a su marido Sako en el frente. Mientras avanza con los combatientes por la sabana, descubre un país en ruinas en el que la muerte está por todas partes. Los estragos del colonialismo son evidentes. Pero también la fuerza y alegría de un pueblo levantado en armas que lucha por su libertad. La guerra termina, poco a poco va recuperándose la esperanza en el futuro y parece que la paz va curando el dolor del pasado. Pero una nueva plaga se ensañará con el pueblo de Diminga. Mortu Nega es una película sobre la guerra de liberación y sobre la independencia de Guinea-Bissau; pero es también es un canto a la fuerza de la mujer africana y una crónica de su combate.

21 de octubre, sábado, Sesión doble (2x1)
18:00
Spell Reel, Filipa César, Alemania-Portugal-Francia-Guinea Bissau, 2017, 96’
En 2001 reapareció en Bissau un archivo de material cinematográfico y sonoro. Casi totalmente destruido, el metraje da fe del nacimiento del cine guineano como parte de la visión descolonizadora de Amílcar Cabral, el líder de la liberación, asesinado en 1973. En colaboración con los cineastas guineanos Sana na N’Hada y Flora Gomes, así como con muchos otros aliados, la artista y cineasta Filipa César imagina un viaje en el que el frágil material del pasado opera como un visionario prisma a través del cual mirar. Digitalizado en Berlín, exhibido y comentado en directo, este material provoca debates, relatos y predicciones. Desde pueblos aislados en Guinea-Bissau, hasta capitales europeas, los rollos de película muda son ahora un punto de encuentro desde el que reflexionar sobre un mundo en crisis.

21:00
Xime, Sana Na N’Hada. Guinea Bissau-Países Bajos, 1994, 95’
Año 1962. La cosecha de arroz ha sido buena y el pueblo de Xime, en Guinea-Bissau, parece estar en un momento de bonanza y de optimismo. Pero Iala, un campesino viudo del pueblo, se enfrenta a la posibilidad de perder la autoridad sobre sus dos hijos: Raúl, el hijo mayor, ha dejado el seminario para unirse al movimiento de liberación contra el régimen colonial portugués. Y Bedan, el hijo menor, se opone a la autoridad de los ancianos del pueblo. Además, las autoridades coloniales están en alerta, por lo que los acontecimientos se van precipitando hacia la violencia. Cuando los soldados irrumpen, sólo queda una salida posible: "Esta vez es la guerra".

22 de octubre, domingo, 19:00
Sans Soleil, Chris Marker, Francia, 1983, 100’
¿Qué más decir sobre Sans Soleil a estas alturas de historia? ¿Que es una de las cumbres de la historia del cine? ¿Que su irrupción cambió para siempre la manera de pensar con imágenes?
Ya se ha escrito y se ha dicho todo sobre esta obra maestra, por lo que quizá baste añadir que el cine nunca fue igual después de esta película. Y que por eso, de vez en cuando, hay que volver a verla en una pantalla grande de cine.
Esto es una película ensayo monumental: de Japón a Guinea-Bissau, de los rostros de tres niños en un carretera de Islandia a las calles de San Francisco. Antes de que llegara internet y las ideas, textos e imágenes se relacionaran a través de links, Chris Marker hacía película visionarias donde ideas, memoria, historia, política, cine, imágenes y sonidos se relacionaban por primera vez en la pantalla de forma tan libre. Todos los secretos del cine y de la vida están ocultos en esta obra. Una de esas películas a las que uno siempre quiere volver.

 

BLOQUE 4. Archivo, Historia y primera persona.
¿Cómo contar a la vez la Historia con mayúscula y la historia pequeña y personal? ¿En qué momento lo personal se torna político? ¿Desde qué lugar se enfrente el cineasta al mundo que le rodea y a su propio mundo?

27 de octubre, viernes, 20:00
Cuatreros, Albertina Carri, Argentina, 2016, 83’
Inspirada por el primer libro escrito por su padre, el sociólogo Roberto Carri, la cineasta Albertina Carri sigue las huellas de Isidro Velázquez, el último ladrón de ganado de Argentina, acusado de robar reses y abatido por la policía en 1967. El resultado es una película monumental, pura construcción cinematográfica, que avanza al galope y atraviesa la historia -de Argentina y propia- en primera persona: “Voy tras los pasos de Isidro Velázquez, el último gauchillo alzado de la Argentina; y como la búsqueda del tiempo perdido siempre es errática, ¿voy realmente tras los pasos de ese fugitivo de la justicia burguesa? ¿O es que voy tras mis pasos, tras mi herencia? Viajo a Chaco, a Cuba, busco una película desaparecida, busco en archivos fílmicos cuerpos en movimientos que me devuelvan algo de lo que se fue muy temprano. ¿Qué busco? Busco películas, también una familia, una de vivos, una de muertos; busco una revolución, sus cuerpos, algo de justicia; busco a mi madre y a mi padre desaparecidos, sus restos, sus nombres, lo que dejaron en mí. Hago un western con mi propia vida. Busco una voz, la mía, a través del ruido y la furia que dejaron esas vidas arrancadas por aquella justicia burguesa”.

28 de octubre, sábado, Sesión doble (2x1)
18:00
No intenso agora, João Moreira Salles, Brasil, 2017, 127’
Realizada tras el descubrimiento de un archivo familiar de cine amateur, esta película-ensayo reflexiona de manera intensa y melancólica sobre lo que vemos en las imágenes y lo que se oculta tras ellas. ¿Qué hay detrás de los archivos de la revolución? ¿Qué tienen en común esos momentos captados en la China comunista de Mao, en el mayo del 68 parisino y en la primavera de Praga? ¿Qué sucedía en Brasil en esa época? ¿Por qué las revoluciones y luchas por los derechos en norteamérica tienen otro imaginario visual? ¿Es la educación sentimental una educación política y una educación visual? Siguiendo la tradición del film-ensayo, la película reflexiona sobre los cuerpos y los rostros que tomaron parte en aquellos acontecimientos que cambiaron la historia. Y en su discurrir, a veces errático, a veces muy preciso - como sucede con todo buen paseo- se llena de preguntas: ¿Dónde fueron, qué sucedió después de la revolución, por qué hemos olvidado esas calles y esos rostros? Construida totalmente con material de archivo, la película no sólo reflexiona sobre lo que vemos, sino que también incide en el papel de los que rodaron aquellas imágenes y los que las vieron en su época. El diálogo, por lo tanto, va de lo más íntimo y personal (la vida de una familia que viajó por el mundo con una cámara, por ejemplo) a la Gran historia. ¿Qué dicen cada una de esas imágenes no sólo de su época sino también de quienes las filmaron? ¿Hasta qué punto cada pueblo deja sus huellas particulares en esos registros anónimos que han llegado hasta nuestros días?

21:00
Santiago, João Moreira Salles, Brasil, 2007, 80’
En un pequeño apartamento también se oculta el mundo. El documentalista João Moreira Salles visita y filma en el año 1992 al mayordomo que durante treinta años trabajó en su casa familiar. Santiago, nacido en el año 1912, vive recluido en su mundo de recuerdos y entregado a sus pasiones: la ópera y la pintura renacentista. Sus palabras y memoria compilan la historia universal del mundo; y a la vez, los recuerdos de una época, de una casa, de una familia y del jardín en el que transcurrió la infancia del cineasta. João Moreira Salles graba este testimonio, pero no es hasta muchos años después que decide volver a enfrentarse a las imágenes. Es cuando todo esos recuerdos, casi fantasmales, se transforman en una película única.

29 de octubre, domingo, 19:00
Mourir á trente ans, Romain Goupil, Francia, 1982, 97’
En No intenso agora, João Moreira Salles recuerda una película fundamental en su formación como cineasta, una película que hablaba de la velocidad de la juventud, de su nostalgia precoz, del abismo del día después de la revolución. Se refiere a Mourir á trente ans del cineasta Romain Goupil. También Chris Marker reflexionaba en Sans Soleil sobre ese momento específico que llega tras las carreras y la lucha: “Lo que todo revolucionario piensa la mañana siguiente a la victoria: ahora empiezan los problemas reales”. Esta película retrata a la generación que hizo posible la revolución de 1968 a través de uno de sus protagonistas: Michel Recanati. La guerra de Vietnam despertó y desencadenó las conciencias políticas de toda una generación. Es cuando Recanati se afilia en las listas de la Juventud Comunista. Llegó después el mayo del 68: barricadas, lecturas, viejos valores, asambleas y una ciudad tomada. Todo era posible en aquel momento. Los años pasan, la desilusión se establece, la muerte hace acto de presencia. Es cuando Romain Goupil mira hacia atrás y trata de comprender lo sucedido. La película fue premiada con la Cámara de Oro en el Festival de Cannes de 1982. 

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